Se confirma el genio. El genuino director londinense pasa con nota la reválida tras su demoledor debut, ‘Hunger’. En esta nueva historia, también en busca de los límites humanos, vuelve a contar con Michael Fassbender, actor del momento, que se come la pantalla de forma contenida, lo que le hizo merecedor de la Copa Volpi en Venecia y la nominación al Globo de Oro. Sin embargo, los Oscars le han robado la merecidísima nominación por “culpa” del sexo explícito. Bien ha hecho McQueen en no recatarse un pelo pues, al fin y al cabo, no hay otra manera de reflejar la vida de un adicto al sexo. Tras ver la película, no creo que nadie cuestione la perfecta elección de Fassbender.

Si el filme pivota sobre el personaje de Fassbender, Brandon Sullivan, no hay que olvidar a su hermana en la ficción, que desmorona su vida milimétricamente planificada y plana de afectos, interpretada por Carey Mulligan, siempre con los sentimientos a flor de piel como atestiguan sus trabajos de un 2011 que no olvidará: ‘Drive’ y ‘Nunca me abandones’.

Pero por encima de ellos o, mejor, en perfecta simbiosis se halla el gran Steve McQueen. Director minimalista con querencia por los planos largos, desnudos y sosegados que exprimen a los actores y un gusto casi insano por el dolor humano. Apareció hace tres años con la aquí inédita ‘Hunger’ y se reafirma con una obra maestra no apta para todos los espectadores, y no me refiero a la evidente clasificación por edades. McQueen busca la sordidez humana en lo cotidiano y la encuentra; fusiona sentimientos adversos y primarios y explosiona la reacción; y, para colmo, rueda unas escenas de sexo medianamente explícito que, aunque le privan del reconocimiento de Hollywood -no los únicos pero sí los más descarados-, resultan artísticas y no tan feas y realistas como las que el cine español suele regalarnos. Y de fondo una banda sonora muy resultona para rellenar los extensos planos. McQueen reinventa a Sergio Leone en el siglo XXI.

Trailer de ‘Shame’

]]> http://www.vivirelcine.com/estrenos/critica-shame-de-steve-mcqueen-1444.htm/feed 0 http://www.vivirelcine.com/estrenos/critica-war-horse-de-steven-spielberg-1435.htm http://www.vivirelcine.com/estrenos/critica-war-horse-de-steven-spielberg-1435.htm#comments Sun, 19 Feb 2012 13:48:10 +0000 Ramón Lozano http://www.vivirelcine.com/?p=1435

Steven Spielberg está que no para. En apenas unos meses, dos títulos suyos se han paseado por nuestras salas: `Las aventuras de Tintín’, en octubre, y ‘War Horse’, ahora en febrero. Y no descansa, pues ya circulan las primeras fotos de Daniel Day-Lewis dando vida a Abraham Lincoln en el biopic que prepara el aclamado director. Bien se podría resumir el año 2011 como el del reencuentro de Spielberg con el cine familiar.

Cuando la productora Kathleen Kennedy descubrió en Londres la obra de teatro en que se basa el filme, rápidamente pensó en Steven Spielberg para llevarla a la pantalla. La decisión fue acertada, pues el cineasta demuestra que no ha perdido el tino a las historias conmovedoras dedicadas a que la familia pase un rato agradable, sin truculencias y con poderío visual. Un diseño de producción marca de la casa recrea con acierto la Primera Guerra Mundial, marco en el que cabalga el protagonista, Joey. O, más bien, uno de los catorce caballos que dan vida a este personaje, que en la novela original narra los hechos en primera persona.

Más de un centenar de corceles, ingleses y españoles sobre todo, se dan cita en los parajes británicos del condado de Devon, donde se rodó la película por completo. De ahí ese reparto tan británico (Peter Mullan, Emily Watson o Benedict Cumberbatch), aunque sin olvidar aportaciones internacionales para encarnar a franceses y alemanes. Y, entre ellos, el descubrimiento de Jeremy Irvine. Para rematar el espectáculo familiar, John Williams compone la banda sonora, certera y de calidad, pero que no logra imprimir fuerza al sector central de la película en que esta pierde fuelle y se convierte en pasatiempo intrascendente para llegar a un final condescendiente con la audiencia; tanto como algunas pinceladas humorísticas que parecen destinadas a los espectadores infantiles.

Trailer de ‘War Horse’ (Caballo de Batalla)

Preston Sturges, como Billy Wilder, fue monaguillo antes que fraile. Quiero decir, naturalmente, que antes de lanzarse a dirigir películas ya había escrito unas cuantas. Esta tarea de guionista les sirvió a ambos para lograr estupendas películas. ‘Hail the Conquering Hero’ fue una de ellas, una comedia que le valió una nominación al Oscar a Mejor guión original. Una curiosidad, de las cinco nominaciones de aquel año 1945, dos estaban en manos de Preston Sturges, pero no ganó.

‘Salve, héroe victorioso’ recuerda desde su mismo título a la película de John Ford ‘Bill, qué grande eres’. Igual que Willie Kluggs en la película de Ford, Woodrow Truesmith se alista en los Marines para luchar por su patria. Pero le licenciaron por su alergia. Triste y abatido por su mala suerte, Woodrow no quiere volver a casa con su vergonzoso secreto. Parecería un simple cobarde que no ha querido pelear. Entonces unos compañeros Marines aparecen para convercerle. Y Woodrow regresa a su pueblecito como un héroe.

La parte patética de esta película es la forma es que todos se intentan aprovechar de él. Si recuerdan ‘Banderas de nuestros padres’ (Clint Eastwood, 2006), a los soldados heroicos se les llevaba de tour a vender bonos de guerra (en ‘Salve, héroe victorioso’ vemos un par de carteles anunciando ‘Buy War Bonds’). Woodrow es recibido por el alcalde, quien usa al muchacho para su campaña de re-elección. La oposición se da cuenta de la maniobra y tiene una idea: presentar a Woodrow a la alcaldía. ¡Hasta le hacen una canción! Pero el joven Woodrow no solo no quiere ser alcalde, sino que siente una profunda vergüenza por su mentira.

La película es divertidísima. Política, patriotismo y parodia se entremezclan de forma brillante, con el talento de Preston Sturges. Esta llena de reflexiones sobre la guerra y los héroes. A algunos que no lo son, como Woodrow, se los aplaude y adora. A otros, bravos soldados caídos -como el padre del propio Woodrow- no se los tiene en cuenta, ni se los recuerda. Es una visión años cuarenta de la guerra. ‘Salve, héroe victorioso’ es una cinta anti-belicista, crítica con la hipocresía. Es la frustración de un soldado que quiso ser héroe y se quedó en nada, como Tom Cruise en ‘Nacido el cuatro de julio’ (Oliver Stone, 1989).

Muy interesante, simpática, estupenda. ‘Salve, héroe victorioso’ está llena de detalles deliciosos que ponen de manifiesto el buen hacer de Sturges, uno de esos directores clásicos generalmente olvidados y que fueron grandes talentos, grandes contadores de historias, fantásticos comediantes.

Clint Eastwood retrata a uno de los personajes norteamericanos más poderosos y enigmáticos del siglo pasado, John Edgar Hoover, a la sazón fundador del FBI. Interpretado por uno de los actores que más ha crecido en este siglo, Leonardo DiCaprio, ha visto cómo la Academia le escamoteaba una justa nominación a mejor actor por un papel que, entre el presente y el pasado, trata de discernir quién era realmente el atormentado y temible J.Edgar.

El veterano director californiano no acierta con la tecla, si bien el guion no es malo y se dispone a narrar una historia que da para mucho. Tras la desapercibida “Más allá de la vida”, este nuevo tropiezo nos hace temer que el mítico vaquero del poncho no pase por una buena racha, permitiéndonos aconsejarle un poco más de reposo entre título y título. Ahora bien, Clint Eastwood siempre es una garantía de un mínimo de calidad que para otros se antoja una utopía. Siendo justos, hay que reconocer que también depara buenos momentos, con escenas logradas y planos de experto cineasta. Algo que no podemos decir del desigual maquillaje que, aunque no es malo, resulta chocante en algún personaje.

¿Y qué hay de la historia? Pues Dustin Lance Black, guionista galardonado por ‘Mi nombre es Harvey Milk’, cierne la sombra de un maquiavélico Hoover sobre algunos de los asesinatos más célebres acaecidos en EEUU en la década de los 60, a la vez que define sin tapujos unos gustos sexuales sobre los que tanto se ha especulado y que chirrían cuando cae en el sensacionalismo. Pero, entre tanta conspiración y rumorología,  se “olvida” de  entrar en el pantanoso terreno de la relación entre J.Edgar y la mafia, asunto al que dedica una sola frase y que habría dado mucho juego.

TRAILER de ‘J. Edgar’

Sorprendió la noticia de que David Fincher, aclamado director de obras como ‘El club de la lucha’, ‘El curioso caso de Benjamin Button’ o ‘La red social’, aceptara el encargo de llevar a la pantalla la primera parte de la trilogía del novelista Stieg Larsson. Máxime si tenemos en cuenta que por los cines de todo el mundo se ha paseado el telefilm sueco que sale muy malparado cuando se compara con la superproducción norteamericana de 90 millones de dólares.

Acertó Fincher ubicando la acción en la misma Suecia que describe Stieg Larsson e imprimiendo “negrura” a la historia así como una estética cuidada, más acentuada en el excelente tráiler que en el conjunto de un filme que, como el original, se va a las dos horas y media de duración, lo que resta fuerza a un final que introduce un par de pequeñas y no muy significantes variaciones.

Sin embargo, da la sensación de que se trata de una historia difícil de adaptar, por más que Steve Zaillian se haya entregado a ello y haya eliminado acertadamente alguna subtrama, pues David Fincher queda lejos de la maestría demostrada en anteriores trabajos y aunque bebe de ‘Zodiac’ o ‘Seven’ no logra semejante profundidad. Nada que reprochar a los intérpretes, entre los que destaca Rooney Mara en el díficil papel de hacer olvidar a la Lisbeth Salander de Noomi Rapace, reto que supera. A Daniel Craig, correcto, le pesa lo que a todos los agentes 007 que, sin un potente maquillaje, cuando visten traje siguen evocando al espía británico.

Último apunte referido a la estética del filme, plasmada en la música de Trent Reznor, líder de Nine Inch Nails, cuyo logo realiza un cameo en una camiseta, y Atticus Ross, ganadores del Oscar por ‘La red social’, y unos espectaculares títulos de crédito iniciales más propios de un videoclip que de una película de estudio americana. Por algún sitio tenía que salir a relucir genio de Fincher y su etapa como director de videos musicales.

Secuencia inicial de ‘Millennium’

Ha sido nominada para ganar el Oscar a la Mejor película de 2011. Diez nominaciones en total. ‘The Artist’ tiene un enorme potencial para llevarse al galardón. Analizaremos brevemente sus mayores virtudes y sus más preocupantes rémoras. El saldo parece más que positivo. Es muy probable que ‘The Artist‘ logre alzarse victoriosa. Ha gustado mucho a quien la ha visto. Ha emocionado a la crítica y al público con su mudo homenaje al cine.

‘The Artist’ es ante todo una maravillosa película. Posee una estética hermosa, dulce y alegre pese a la adversidad con la que se topa su protagonista, George Valentin. Este actor de éxito, representante máximo de una época muda, la de los años veinte, en la que la gente vibró con las peripecias de estos héroes de la pantalla, galanes todos. Vamos con los pros y los contras:

Las dificultades de ‘The Artist’ para ganar el Oscar

Ya el año pasado tuvimos “sorpresa estadística”. Desde estas líneas comentábamos lo fácil que lo tenía ‘La red social’, y perdió. Pues si atendemos a lo que ha ocurrido en la historia de los Oscar, ‘The Artist’ no puede ganar.

• Parece obvio que la principal tara es que ‘The Artist’ es una película muda. Si no me falla la memoria, la única película muda que ha ganado el Oscar a la Mejor película ha sido ‘Alas’, de William Wellman, en la primera edición de los premios, haya en 1928. El sonoro desbancó por completo al mudo.
• De la mano de este hecho, la fotografía en blanco y negro. Ninguna película en blanco y negro ha ganado en Oscar en lo que llevamos de siglo. Nos tenemos que remontar a 1993, con ‘La lista de Schindler’. La anterior ya fue ‘El apartamento’ de Billy Wilder, en 1960 (si no me falla la memoria).
• Otra pega: ‘The Artist’ es prácticamente una cinta francesa. Solo once películas no producidas íntegramente en Estados Unidos han ganado el Oscar a Mejor película. Las once, fueron producciones o co-producciones británicas. De Francia, nada.

Las facilidades de ‘The Artist’ para ganar el Oscar

• ‘The Artist’ ha supuesto un éxito de público y crítica; han visto una película interesante, hermosa, agradable y, entiéndase bien, pura. Creo que todos estarían contentos de que se llevara el galardón. La competencia no parece demasiado dura. Alexander Payne es un director joven que gusta a la Academia, pero no sé si sus Descendientes, por mucho Clooney que tenga, logrará vencer a esta bomba. ¿Qué posibilidades tiene ‘La invención de Hugo‘, la cinta de Scorsese?
• Sin duda, la mejor baza de ‘The Artist’ es su maravilloso homenaje al Cine. Quizás una parte de los espectadores que hayan visto esta película no estén acostumbrados al cine mudo, pero a todos nos gusta -sobre todo a los cinéfilos- ver en la pantalla historias de esas “cine dentro del cine”. La Academia premia estas películas: la francesa ‘La noche americana’, de Truffaut, ganó el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa. Garci estuvo nominado con ‘Sesión continua’. Ganó Fellini con ‘Ocho y medio’ y ganó ‘Cinema Paradiso’. ‘The Artist’ tiene muchas posibilidades por este lado.
• Dar el Oscar a una película que ha cosechado un montón de premios ese año no es mala idea. ‘The Artist’ ha abonado convenientemente su camino.

Parafraseando a su protagonista, las tragedias en Hawaii no son menos duras pero, bajo la óptica de Alexander Payne, el drama se hace más llevadero. Un film que sigue la estela de ‘Entre copas’ -aunque aquí el trasfondo es mucho más trascendental-, administra con maestría los tiempos y suministra los toques cómicos con cuentagotas, muy lejos de la saturación a la que la industria recurre generalmente.

Es, posiblemente, la obra más redonda de su director. A ello ayuda la compleja interpretación de George Clooney, llena de matices que le hacen merecedor de los premios y nominaciones que acapara estos días. Quién habría dicho hace más de quince años que el doctor Doug Ross de ‘Urgencias’ llegaría a ser un actor de postín y, además, un reputado y sólido director. Es justo reconocer el trabajo de Clooney, que sale airoso de su encarnación en padre cornudo desconocedor de sus hijas: la niña rebelde y la adolescente, interpretada por Shailene Woodley, descubrimiento del filme.

Tributo al Hawaii más auténtico, al de la naturaleza más sobrecogedora pero también al turístico, al del paraíso para el golfista, y al cotidiano en la urbe. El guion, sin fisuras, nos arrastra por esta tragicomedia en la que Beau Bridges o Robert Forster se dejan caer, más a modo de cameo que para aportar profundidad a un largometraje trabajado, ameno y honesto, para disfrutar con una sonrisa torcida.

Trailer de ‘Los descendientes’

Viendo el trailer y conociendo que la directora tiene como antecedentes cinematográficos ‘¡Mamma mía!: la película’, no albergaba sino una pequeña esperanza de ver una buena película. ‘La dama de hierro’ no lo es. Hay muchas razones para afirmar esto, y no nos debe eclipsar la actuación de Meryl Streep ni la poderosa figura de Margaret Thatcher. Son, sin duda, dos ganchos de gran tamaño, pero al cabo estos activos se convierten casi  en lastres, dejando al espectador con cara de “lo que hubiera podido hacer alguien talentoso con estos recursos”.

Hay grandes nombres que merecen un biopic. De hecho, cada año asistimos a un buen número de estrenos de este género, aunque yo no me atrevería a llamar biopic a ‘La dama de hierro’. Si en efecto lo es, malo. Estas maneras destartaladas de contar la historia de alguien no son propias de un director serio. ‘La dama de hierro’ no pasa de ser un videoclip, recordatorio de lo que fue la vida de Thatcher y muestra cansina de cómo su demencia la ha convertido en una pobre anciana.

¿Dónde queda la emoción? ¿Acaso la vida de Margaret Thatcher no es lo suficientemente atractiva? Hay grandes pasajes de su biografía que se ventilan con un rápido y equivocado estilo. El errado guión desconoce las reglas narrativas. Los continuos parones perjudican enormemente al ritmo. Por otro lado, quiero que la vida del personajes retratado me emocione y me haga sentir ganas de emular su figura. O al contrario, sentirme desconcertado, zaherido por una personalidad terrible. Pero quedarse a media luz es un fiasco intolerable.

Es por esto que me animo a criticar la sonoridad que ha tenido la interpretación de Meryl Streep. ¿Debe darse tanto valor a la mera técnica teatral? Porque el personaje creado por la directora de ‘La dama de hierro’ no es en absoluto brillante. Lo diré con otras palabras: la Streep borda una caracterización, pero el papel que ha recibido es flojo. ‘La dama de hierro’ no es la parodia que fue ‘W’ de Oliver Stone, pero queda muy lejos de un tratamiento correcto de una gran figura pública, como la hecha por Tom Hooper en ‘John Adams’.

Para terminar, me hago eco de una apreciación hecha mi acompañante en la sala de cine: Dennis Thatcher es todo un personaje. Merece una película él solo. Conclusión: ‘La dama de hierro’ flojea, aunque entretiene y permite un acercamiento a una figura tan notable como Margaret Thatcher.

Trailer de ‘La dama de hierro’

Es inevitable comparar lo nuevo de Na Hong-jin con su excelente opera prima, ‘The Chaser’, y quizás eso sea un error. Pues aunque en ‘The Yellow Sea’ podemos apreciar muchos aspectos comunes con su predecesora, también son palpables las diferencias. La primera, muy evidente casi desde el inicio, es que se trata de un thriller sin la atmósfera opresiva que envolvía la acción del proxeneta que trataba de dar caza a un sádico asesino de prostitutas. En ‘The Yellow Sea’, su director ha tratado de hacer algo distinto, y no todo funciona.

En dos horas y media de metraje hay tiempo para todo, para lo bueno -que es mucho- y lo malo. Influido por el cine oriental de acción, así como por el cine comercial americano, Hong-jin abandona el realismo descarnado en las escenas más movidas. Así podemos ver persecuciones imposibles o accidentes múltiples con explosión incluida. A eso hay que añadir el tono paródico de ciertas escenas en las que ridiculiza a la policía surcoreana que desentona con el conjunto.

Por suerte todo eso sólo ocurre a mitad de la película. El inicio y el final se asemejan mucho más a su anterior trabajo. Aquí tampoco renuncia a la sangre ni a las escenas violentas y explícitas. En esta ocasión, el arma fetiche es un hacha con mango corto, además del sinfín de cuchillos de cocina y algún hueso contundente. En definitiva, carne de remake que no llega a la altura de ‘The Chaser’, con la que no resiste la comparación, pero nos hace desear ver más de este prometedor cineasta.

Trailer de ‘The Yellow Sea’

Grandes aviones, con bravas tripulaciones. Bombarderos listos para atacar ciudades y factorías. Los cielos de la Segunda Guerra Mundial, el escenario por antonomasia de estos aparatos a los que se dio en llamar “fortalezas volantes”. Diez, quince toneladas en vació. Diez hombres en su interior. Cuatro motores capaces de hacer volar este aparato a diez kilómetros del suelo.

He elegido un par de películas que que ilustran la época y el espíritu de la “crew” de un B-17. Una de la época, de Howard Hawks y con el escenario del Pacífico. Otra más moderna, de 1990. La maravillosa historia de la última misión del celebérrimo bombardero ‘Memphis Belle’, que voló sobre Europa. De paso, hablaremos de William Wyler y de John Ford.

AIR FORCE (Howard Hawks, 1943)

Howard Hawks, a diferencia de otros directores como John Ford, Frank Capra o William Wyler, no se incorporó al ejército al estallar la Segunda Guerra Mundial. Su contribución a la lucha no fueron documentales o películas de instrucción militar, sino drama bélicos. ‘El sargento York’ (1941) es el primer ejemplo (aunque se estrenara unos meses antes del ataque a Pearl Harbor). La segunda película bélica del periodo de guerra es ‘Air Force’.

Con guión de Dudley Nichols (quien ya había tocado el tema de la guerra en ‘Hombres intrépidos’ y ‘La batalla de Midway’ de Ford; en ‘Man Hunt’ de Fritz Lang), ‘Air Force’ es una verdadera “película río”. Fuertemente propagandista, cuenta de las experiencias de combate de la tripulación del ‘Mary Ann’, un B-17. A estos pobrecillos les pasa de todo, y la película es continua actividad. Hay tiempo para las reflexiones sobre la guerra, como debe ser en una buena película de propaganda. ‘Air Force’ es una cinta interesante, pese a ese cariz tan marcado. No deja de ser un Hawks, y una producción de Hal B. Wallis y Jack Warner. Consiguió el Oscar al Mejor montaje y William Faulkner colaboró en el guión.

MEMPHIS BELLE (Michael Caton-Jones, 1990)

No hace nada hablábamos de William Wyler, y cómo había prestado “servicios” al ejército durante la SGM. Uno de ellos fue la película ‘Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress’. Confeccionada con imágenes reales, este documental de cuarenta minutos cuenta la historia de este B-17, el “Memphis Belle”. Muy interesante, la recomiendo.

El “Memphis Belle” fue un famoso bombardero. Por lo visto, cuando un avión terminaba 25 misiones, su tripulación se ganaba el derecho a volver a casa. La película ‘Memphis Belle’ (la de 1990), cuenta la dramática última misión del aparato. Los últimos momentos de la tripulación antes de subierse al avión, los kilómetros sobre el mar, la llegada a Alemania, la batalla aérea. Una correcta película, emotiva y con actores bien jóvenes.

NOTA: Para un enfoque mucho más antibelicista de las Fuerzas Aéreas norteamericanas, ver la estupenda ‘¡Bill, qué grande eres!’ de John Ford, año 1950.