-Oiga, ¡y que voy de primera!

Me encantó “Los Tenenbaums”(2001), me pareció una pequeña genialidad a pesar de su final complaciente, así que no tardé en hacerme con otra pieza famosa de Wes Anderson, (que estrena nuevo proyecto este año, “Moonrise Kingdom”), “Viaje a Darjeeling” (2007). Y me equivoqué.

Precedida del corto “Hotel Chevalier”, trece fantásticos minutos que funcionan a la manera de prólogo de uno de los personajes, “Viaje a Darjeeling” cuenta la historia de tres hermanos, Adrien Brody, Owen Wilson y Jason Schwartzman (quien también firma el guión junto a Anderson y Roman Coppola) que realizan un viaje a través de la India en el Darjeeling Limited, después de pasar un año sin hablarse tras la muerte de su padre. Lo que sigue se supone que es una de esas historias de secretos familiares, viejas rencillas y amor/odio fraternal que terminará (todos lo sabemos) en reconciliación. Es decir, otra aproximación de Anderson a las relaciones familiares. Pero lo que realmente nos encontramos es una serie de pretendidas escenas surrealistas intercaladas con las aburridísimas conversaciones de los tres hermanos y chistes que se repiten hasta la saciedad.

Relaciones familiares complejas en las que ahondar, muchos interrogantes y un viaje por la India como excusa para tratar todo ello. Suena interesante, ¿no? Pues sólo suena, porque la película tiene el dudoso mérito de aburrir en un metraje que no llega a la hora y media. ¿Cómo lo consigue? Sencillo: en vez de centrarse en los tres hermanos, la razón de su distanciamiento y sus vidas actuales, prefiere mostrárnoslos comprando una serpiente venenosa o realizando una ceremonia con plumas de pavo real. Si al menos resultara gracioso. Pero yo sólo veo a tres tipos haciendo el payaso que pasan de no tener nada en común a ser uña y carne a base de rezar en templos, regalarse y devolverse el mismo cinturón unas sesenta veces y hacer el pequeño saltamontes en lo alto de una montaña. Ah, claro . Y salvar a dos niños de morir ahogados sin poder evitar que uno se muera en sus brazos. Lo último en terapias de familia. Pero hay más: en vez de contarnos el pasado de estos personajes, la madre (Anjelica Huston, metida a monja, ¿cuándo y cómo? Nadie nos lo explica) por fin en reunión con sus hijos decide que prescindan de las palabras, para mirarse los unos a los otros intensamente. Así, en plan bohemio.

Vamos, que después de lo que ya me había parecido uno de los viajes más pesados del cine y van a dar las respuestas que faltan (todas), van y se callan, mientras vemos un montaje que pretende cerrar las historias de los supuestamente interesantes personajes secundarios a quien, en el mejor de los casos, apenas hemos llegado a conocer: los hermanos del chico muerto, la azafata asfixiada por su durísima vida en el tren (muy evidente la dureza de su vida sirviendo zumos y lo obligada que está a hacerlo), el viajero que cumple sus funciones de viajero (¿de verdad es gracioso ver a un tipo leyendo el periódico en varias escenas?), el revisor hipomímico, la exnovia del hermano pequeño, el hombre de negocios (Bill Murray, protagonista de los dos minutos más prometedores de toda la cinta, los únicos que está en pantalla) y… ¡un tigre!. Secundarios que en definitiva nos dan igual, porque no nos han contado nada de ellos o porque lo poco que sabemos, no es interesante.

“Viaje a Darjeeling” cuenta con una buena dirección y selección musical, al igual que “Los Tenenbaum” (aunque en el segundo aspecto la última sobresalía especialmente. ¿Cómo olvidar el prólogo con la versión de “Hey Jude” o, sobre todo, el intento de suicidio con “Needle in the Hay” del malogrado Elliott Smith?). Ese no es el problema. El problema está en que, mientras que en la segunda los personajes, a pesar de su excentricidad, nos resultaban cercanos y dignos de compasión, aquí no podemos ver más que a unos sosos que van de un lado a otro sin cambiarse en días pero sin mancharse. “Viaje a Darjeeling” es una obra innecesaria para un prólogo excelente.  Lo que en “Hotel Chevalier” resulta sutil, mostrándonos a Natalie Portman y Jason Schwartzman en una habitación, sin contarnos nada sobre su relación pero sin que sea muy difícil deducirlo, se queda corto aquí, escatimándonos información importante.

Buena idea la de apagar el DVD a los trece minutos. Habrás disfrutado de un gran trabajo, elegante y conciso, y te ahorrarás 88 minutos que no sirven ni como guía de viajes: ni bonitos paisajes, ni el Ganges con cadáveres flotantes, ni trenes atestados con gente en el techo, ni elefantes. Y sólo sale una vaca.

Era el día 11 de noviembre de 1918. Un grupo de hombres se sentaba en el vagón de un tren, cerca de Compiègne. El destino de este tren era el armisticio, firmado por las partes involucradas en la Primera Guerra Mundial. Este sería el comienzo de un periodo terrible para Alemania. Tras la firma del armisticio llegaría la Paz de Versalles, momento trágico en el que los aliados, vencedores de la guerra, impusieron unas disposiciones económicas que eran, en palabras de Winston Churchill, “tan perversas y tan absurdas que evidentemente resultaron fútiles. Condenaban a Alemania a pagar unas indemnizaciones fabulosas. Estos dictados eran una manifestación de la ira de los vencedores”. 

No se puede pasar sin reseñar el aspecto puramente económico de este momento, pero no es el único elemento que nos ha de importar. Las repercusiones netamente políticas (señalar el proceso de desintegración del imperio astrohúngaro en virtud de los tratados de Saint-Germain y Trianón, a modo de ejemplo gráfico) que arrastran a la desesperación al pueblo alemán, nos interesan sobremanera.

Dado que nuestro objetivo es comprender la cinematografía de estas primeras décadas del siglo XX, debemos acercarnos por completo al interior del alma alemana. Seguiremos para esto las aportaciones del teórico Siegfried Kracauer, publicadas en su obra ‘De Caligari a Hitler. Una historia psicológica del cine alemán’.Este relato debe ser iniciado, cuando menos, en aquellos años previos a la guerra.

Asta Nielsen en ‘Hamlet‘ (1920)

Entonces, la industria cinematográfica alemana estaba terriblemente exangüe. Una producción insignificante, con algunas películas de detectives. Lo que triunfa verdaderamente son las cintas extranjeras: los western norteamericanos y las películas de Asta Nielsen. Hasta la guerra, Alemania es claramente un país deficiente en lo que se refiere al cine.

A la llegada de la guerra se unió un ímpetu nacional, un verdadero frenesí que, si bien parecía ser positivo para la nación alemana, más tarde se convertiría en la frustración que observamos en el cine. No obstante, esta energía rebosante, ligada a las fronteras cerradas, dio lugar a una gran demanda de producción nacional. La raquítica industria del cine alemana, que contaba con 28 productoras en 1913, pasó a ser, en el plazo de unos años, un gigante de 245 productoras, allá por 1919. Un auge brutal que repercutirá en la importancia social del cine como entretenimiento y vía de escape.

‘Der Student von Prag’ (1913)

Haciendo un inciso, conoceremos de las primeras películas expresionistas, como ‘Der Student von Prag’ o ‘Der Andere’, ambas de 1913. Comenzamos a vislumbrar un método, obsesionado con el “yo”, que utiliza las películas como reflejo de un mundo interior. Esto lo veremos mucho más claro con los temas fantásticos y francamente expresionistas posteriores al fin de la contienda.

Tras la guerra, Alemania, zaherida, ve en el cine un particular aliado para su trágico estado de ánimo. Un profundo sentimiento de inferioridad recorre a los germanos. La reacción contra la frustración es un instinto destructor que busca la espita por la que huir. Las películas de carácter sexual, de gran difusión, hablan de una urgencia ansiosa. En palabras de Kracauer, son “un intento inconsciente de ahogar la conciencia de frustraciones íntimas y profundas”. ¡Cuántas veces no hemos hecho esto mismo cada uno de nosotros, acudiendo a los brazos del cine!

‘Die Büchse der Pandora‘ (G. W. Pabst, 1929)

En la misma época aparecerán (y tendrán también éxito) las películas de temática histórica. Otra vez lo mismo. Ahora es Oskar Kalbus (‘Deutsche Filmkunst’) quien lo describe: “En tiempos de emergencia nacional la gente es particularmente susceptible a que se le presenten grandes personalidades y periodos históricos”. ¿Pero es esto lo que quieren los alemanes? Esas cintas históricas tienen un ambiente cínico. No hablan de elevadas figuras ni prohombres, sino que nos muestran una historia sin significado, donde la ambición particular y los instintos más bajos se hacen palpables. Estas películas gustan a los alemanes porque niegan la historia como instrumento de justicia divina. Hemos perdido la guerra, pero eso no quiere decir nada. La historia, en definitiva, nada vale y no da ni quita razones.

‘Das Kabinett des Dr. Caligari’ (1920)

Una verdadera frustración. Angustiosa. La sociedad germana sigue buscando, y de su mano, el cine. Sin lugar donde agarrarse, con una estructura social deteriorada, Alemania hace triunfador al cine expresionista. Es un cine que pretende, ni más ni menos, expresar las experiencias. Y lo que los germanos sienten, lo que viven cada día, es que su mundo es caótico. De la anarquía emergen entonces los tiranos. Con precedentes como ‘Der Golem’ (1915) y ‘Hommunculus’ (1916), este tipo de historia vendrá a responder a una sensación dolorosa: que la condición caótica de la Alemania de posguerra es el terreno abonado para la tiranía, que se aprovecha de la anarquía para vivir. El cine alemán se llena de malvados profundamente dañinos: ‘Das Kabinett des Dr. Caligari’ (1920), ‘Nosferatu’ (1922), ‘Dr. Mabuse, der Spieler’ (1922). Un panorama desolador donde la rapiña y el terror dominan.

Por cerrar volviendo a citar a Kracauer: “El alma alemana, perseguida por las imágenes alternadas de dominación tiránica y del caos gobernado por el instinto, amenazada por la fatalidad, se sacudía en el espacio tenebroso como el barco fantasmal de ‘Nosferatu’.”

Todos querían llevar a la pantalla grande la serie ‘Dark Shadows’. Johnny Depp, Tim Burton y Michelle Pfeiffer lo deseaban y lograron un papel destacado en esta adaptación que rinde un homenaje en forma de cameo a los protagonistas de la original. Johnny Depp en la producción y como actor principal; Michelle Pfeiffer como madre del clan Collins; y Tim Burton a los mandos de un producto diseñado para él, quien tiene una visión especial para plasmar un mundo tan lúgubre con humor dosificado y con apariencia Disney.

Temas clásicos de los 70, hippies, cabriolets, un vampiro más bueno que malo y una bruja eternamente joven, rencorosa por despecho, son los principales ingredientes de una película que se desarrolla sin prisa, sin forzar la máquina, con mucha música para aligerar las escenas, con una efectividad marca de la casa, hasta que sucumbe a la moda del remate hiperbólico con una pirotécnica traca final muy poco acorde a lo visto hasta el momento.

Por otro lado, impecable el apartado técnico, imprescindible para generar esa atmósfera tan particular de Tim Burton: una fotografía triste, retro; unos decorados recargados; un maquillaje excesivo y colorido. Todo eso para presentarnos a esta suerte de familia Monster, una historia de amor que perdura en el tiempo e incluye almas sin descanso, y un cameo de Alice Cooper que parece venido del futuro. Hay licencia para todo. Por desgracia, del pueblo pesquero y sus gentes no podemos esperar la más mínima interacción. Son un simple marco con muy poco que decir, a pesar de las criaturas con las que conviven.

Trailer de ‘Sombras tenebrosas’

]]> http://www.vivirelcine.com/estrenos/estrenos-sombras-tenebrosas-de-tim-burton-1670.htm/feed 0 http://www.vivirelcine.com/peliculas/programa-doble-pocahontas-1648.htm http://www.vivirelcine.com/peliculas/programa-doble-pocahontas-1648.htm#comments Sat, 12 May 2012 13:50:10 +0000 Borja Gil http://www.vivirelcine.com/?p=1648

A priori, un tema para niños (inevitable la herencia de Disney): la historia del capitán John Smith, conquistador en una tierra virgen, enamorándose de una nativa. En realidad, una excusa tan buena como cualquier otra para hacer dos películas que no dejan indiferente a nadie, situadas en polos opuestos a la hora de entender el cine, “El nuevo mundo” y “Avatar”.

Buen programa doble para abordar esta mítica historia. Con una no querrás dormirte, la otra no te dejará con su ruido y sus luces. En cualquier caso, más de cinco horas de cine para mantener los ojos muy abiertos.

EL NUEVO MUNDO – Terrence Malick, 2005

“El nuevo mundo” es el tercer largometraje de Terrence Malick, quien no se hizo esperar otros veinte años como con el anterior, “La delgada línea roja” (1998), dividiendo, como ya hizo con la obra ya citada o como volvería a hacer, esta vez de forma irreconciliable, con “El árbol de la vida” (2011, ganadora de la Palma de Oro), al común de los espectadores: obra maestra o tostón insufrible. Personalmente me coloco en el primer lugar. Desde el primer minuto asistimos a un collage de imágenes de la naturaleza, planos de miradas y subjetivos (imposible contabilizarlos), música clásica y escenas cortadas por donde nunca nos imaginaríamos, apoyándose en un fantástico montaje y haciendonos tomar parte activa en la historia para formar el todo de la narración, técnica ya presente en sus dos primeras películas, “Malas tierras” (1973) y “Días del cielo” (1978), que se ha erigido en rasgo sobresaliente de la personalidad de sus obras en este, podríamos decir, “segundo ciclo”, y que llevó a su máxima expresión en “El árbol de la vida”, abriendo, en el caso concreto que nos ocupa, nuevas posibilidades a una narración completamente lineal. Montaje quebrado (¿podría decirse?), varias voces en off, diálogos lacónicos, personajes en perpetua búsqueda de sí mismos y de algo más allá, tempo sosegado, absoluto predominio de la cámara en mano… ¡Señora, esto es puro cine indie! Y junto al uso de no sólo excelentes bandas sonoras originales sino también piezas de música clásica, excelentes trabajos actorales (que por lo que se ha podido saber, sin embargo, muchos son podados en la sala de montaje) y la capacidad/necesidad de hacer pensar al espectador son los puntos característicos de este gran cineasta.

“El nuevo mundo” no sólo cuenta la historia del choque de dos culturas (magistral la escena del avistamiento de los barcos por parte de los nativos) que empezarán a conocerse tímidamente y acabará en un baño de sangre, el panteísmo de los nativos, trasladados del mito del “buen salvaje” a esta película, frente al progreso de los europeos. No sólo la historia de amor imposible entre John Smith (gran trabajo de Colin Farrell) y Pocahontas (a quien por cierto no se le llama así en toda la película, pero sí figura en los títulos de crédito; interpretada por Q’orianka Kilcher, descubrimiento donde los haya de la película), magistralmente filmada y con una fuerza como pocas se encuentra en el cine. No sólo el proceso, a lo colmillo blanco, de la citada, quien pasa de ser libre por los bosques a abrazar la cultura de la vieja Europa y el bautismo de la mano del colono John Rolfe (Christian Bale, quien parece haber nacido para moverse en una película de Terrence Malick). Cuenta todo eso y lo hace maravillosamente. Pero también nos habla de la pérdida de un Paraíso, de nuestra incapacidad para la redención y comenzar de nuevo, ese algo dentro de nosotros que hace que se pudra lo que tocamos, a pesar de nuestras buenas intenciones.  Ese nuevo mundo que anida en nosotros, que busca una oportunidad para redimirse (al igual que Smith) y que la encuentra en el amor puro pero que (como demuestra Rolfe) sólo germinará cuando entremos en comunión que esa tierra a la que habremos llegado.

AVATAR  (James Cameron, 2009)

En la otra punta del cuadrilátero, “Avatar”, la película más taquillera de la historia (si no aplicamos la inflación, ya que en ese caso sería “Lo que el viento se llevó”, como bien me explicó el cerebro de este blog, Eduardo González), también la más cara (con 250 millones de dólares de presupuesto), pionera en el uso de la tecnología 3D (de eso no puedo hablar ya que yo la he visto en 2D) y que marca el regreso a la dirección de James Cameron doce años después de coronarse rey del mundo con la oscarizada (y para mí, muy sobrevalorada) ‘Titanic’ (1997), otro coloso de las multisalas. Su octavo largometraje de ficción (tras doce años perdido en el mar para traernos varios documentales y surcando el espacio de las nuevas tecnologías para hacer esta película, y supongo que para traerse también su nueva idea, minas espaciales, ahí es nada) nos trae la historia de un marine que llega a un mundo nuevo y se enamora de una nativa. Nos suena, ¿no? Viendo las respectivas filmografías anteriores de Malick y Cameron (el primero menos prolífico, aunque ninguno puede presumir de una extensa lista de títulos) podemos deducir que los trabajos van a ser diametralmente opuestos.

Porque el nuevo mundo de Cameron no es la Virginia de 1607 ni un paraíso en la tierra, sino una tierra (más bien una luna) que es un paraíso en sí misma, Pandora. No está habitada por nativos panteístas sino por indígenas azules de tres metros de altura también con la creencia de que Dios reside en toda aquella naturaleza, con la salvedad de que sus ritos los celebran conectándose al árbol sagrado cual ipods. Mola esa religión, que no es religión sino biología y que puede ser demostrada y medida (así es fácil creer, ¿no?). Digo esto porque es importante. Los Na’vi, así se llaman, no sólo respetan la madre naturaleza, sus animales y demás, sino que también tienen razón. No es que sean unos buenos tíos, es que son buenísimos y además están en lo cierto. En este “Pocahontas” espacial, los buenos son muy buenos. Y los malos, unos hijos de puta. Porque cuando llegamos a Pandora acompañando a Jake Sully (Sam Worthington) no hay choque cultural ni descubrimiento que contar. Los humanos llevan allí tiempo, y su objetivo es dejar el planeta hueco llevándose todo el mineral que contiene, un mineral valiosísimo y que “paga todo este montaje”, trasunto del litio o parecidos de nuestros días. ¿Paralelismo con las guerras de nuestros días? Evidentemente sí. ¿Simplón? Evidentemente también. A partir de aquí, tan previsible como puede imaginarse. El marine se convertirá en uno de ellos, literalmente además gracias a la tecnología “avatar”, y acabará enfrentándose a los malos malísimos de los humanos, que aprenderán por fin que lo importante no es tener mejor armamento, sino creer en la madre Tierra (y tener un Dios al que te puedas conectar por USB y que responde). “Avatar” es entretenimiento en estado puro, un envoltorio fascinante, que nos quedará boquiabiertos ante esas bestias alienígenas, la espectacularidad de sus combates y la belleza de esas medusas-luciérnagas. Un envoltorio, digo, que por desgracia está vacío. La tecnología y el presupuesto no pueden salvar esos conceptos planos, ese mundo de buenos y malos donde ya está todo previsto para que salgamos con la moralina bien aprendida y no se nos ocurra ni arrancar una hoja antes de llegar a casa, rompiendo records de recaudación de paso.

Dos puntos a favor, sin embargo, en común a las dos películas: a pesar de su duración, dos horas y cuarto para “El nuevo mundo” (no ha llegado a España, por desgracia, la edición extendida de 177 minutos) y tres horas para la edición extendida de Avatar (es la única que he visto, creo que la estrenada en cines se quedaba en 160 minutos), ninguna de las dos aburre y la atención, por factores distintos obviamente, es constante. El otro punto: las dos cuentan con banda sonora original a cargo de un grande, James Horner, aderezada con piezas de música clásica una, con canción tipo Disney en los créditos la otra.

Paolo Sorrentino arriesga en esta cinta el prestigio ganado con ‘Il Divo’, un excelente retrato político de la corrupta Italia contemporánea, y que le sirvió para encandilar a toda una celebridad de Hollywood como Sean Penn para este proyecto sobre una estrella de rock retirada, sosias del líder de ‘The Cure’, pegada a una maleta, o un carrito, tanto da, con una vida anodina que se enfrasca en un viaje vital con la excusa de encontrar al anciano nazi que humilló a su padre en Auschwitz.

Se trata de una película excesiva; unas cosas funcionan, otras no. Desprende lirismo en cada plano, para mayor gloria de su director, y, al principio, sabe acompañarlo de cierta comicidad elegante, sutil e irónica. Por desgracia -o no-, esto se transforma en una sucesión de situaciones absurdas en la línea de los filmes de Wes Anderson en que en vez de viajar a Darjeeling se adentra en la América profunda. Ahí es donde sobran planos y escenas, como la del indio o el recortable cameo de David Byrne, cantante de Talking Heads, autores de la canción que da título a la película (en el original: ‘This must be the place’).

Capítulo aparte merece la interpretación de Sean Penn, con su irritante, y un tanto estúpida, vocecilla que para muchos críticos supone rozar el ridículo. Tampoco ayudan nada algunos primeros planos en los que el actor se esfuerza en arrugar el gesto. Quizás, más bien seguro, no sea este su mejor trabajo, sobre todo desde que abandona la compañía de una risueña Frances McDormand que encuentra por Nuevo México una réplica apesadumbrada en Kerry Condon, vista en la extinta ‘Luck’.

Trailer de ‘Un lugar donde quedarse’

]]> http://www.vivirelcine.com/estrenos/estrenos-un-lugar-quedarse-de-paolo-sorrentino-1645.htm/feed 0 http://www.vivirelcine.com/peliculas/critica-las-virgenes-suicidas-de-sofia-coppola-1633.htm http://www.vivirelcine.com/peliculas/critica-las-virgenes-suicidas-de-sofia-coppola-1633.htm#comments Sun, 06 May 2012 13:48:47 +0000 Borja Gil http://www.vivirelcine.com/?p=1633 Pero… ¿hubo alguna vez cinco vírgenes?

(incluye spoilers)

Me había mentalizado, eliminado de mi organismo cada segundo de aquel bodrio titulado “Lost in translation” con el que ya me engañaron una vez, y me dispuse a dar otra oportunidad a Sofia Coppola. Gran error. A los cuatro minutos (de reloj, no es una expresión) ya sabía que me había equivocado. Quizás el hecho de que un médico hecho y derecho, a quien sólo vemos de espaldas pero percibimos viejo y, por lo tanto, sabio (¿?), le espete a una niña de trece años que acaba de intentar suicidarse lo poco que ella sabe de la vida me hiciera sospechar de lo que estaba viendo. Pero quedó confirmado con la respuesta de la niña, que consigue situarse en un curioso lugar: imposible oírla nunca en los labios de una niña, pero al mismo tiempo ridícula como si de verdad el que la pronunciase tuviera esa edad (sin querer ofender a las niñas de esa o ninguna edad, por favor). En ese terreno se mueve la película: en el del rídiculo. El guión, firmado por la propia Coppola, propio de alguien que permaneciese estancada en una adolescencia mental y se viese de casualidad en la posibilidad de filmarlo, desaprovecha la interesante premisa de la novela de Jeffrey Eugenides: la menor de las cinco hermanas Lisbon intenta suicidarse, y los chicos del barrio comienzan a fijar toda su atención en las cuatro bellezas restantes y su opresivo entorno.

Sin embargo, hasta ahí llega lo bueno. Porque a pesar de la sugerente idea inicial, pronto el conjunto hace aguas gracias a un guión escrito por niños para adultos (cuando lo bueno es al revés): ¿Dónde están esos padres tan opresivos, rectos y severos que dejan a su hija rubia y atractiva (vamos, el objetivo de cualquier payaso sin el graduado y con moto) tomar el sol en bikini delante de su casa? Eso sí, mientras vigila a su hermanita con tendencias suicidas, porque se aprecia lo preocupados que están todos por ella… pues no, no se aprecia.  Unos padres tan duros que, en cuanto el psicólogo del colegio (un Danny DeVito cuya aparición no excede los cinco minutos, debió salir corriendo cuando vio dónde se había metido) les propone que aumenten su círculo social preparan una fiesta… invitando a los cuatro pringados del barrio por supuesto. Esos padres terribles que no dudan en enviar a sus hijas con los jugadores de futbol (¿es que no han visto otras películas de adolescentes?) al baile. En definitiva, unos padres que no hacen que nos creamos que son capaces de encerrar a sus retoños en casa, porque no podemos creernos que James Woods, quien parece que está toda la película buscando la tienda del pan y a quien no dejan terminar más que dos frases en toda la película sea capaz de hacerle eso a las chicas, junto a una madre que resulta anónima, ausente, con cuatro frases supuestamente autoritarias para que nos creamos que es la mala del reino (seguro que la idea era proyectarla de forma que gobernase la casa silenciosa y maquiavélicamente, aprovechando lo calzonazos que resulta el padre, pero no lo consigue precisamente).

En cuanto a los chavales obsesionados, cuyas vidas han sido marcadas… ¿dónde está todo eso? ¿Dónde la obsesión y la marca? Sólo se ve a cuatro pringados que, siendo tan sentimentales, románticos y soñadores como para leer el diario de la pequeña a escondidas y viajar con el resto por todo el mundo en unas guías de viaje (¿a qué clase de chicos a conocido Sofia Coppola?) no lo son lo suficiente como para tener el más mínimo escrúpulo a la hora de ver por el telescopio como la fiera de las Lisbon se lo monta con cualquiera en el tejado.

Por supuesto, no falta el guapo de la función, Josh Harnett, quien por obra y gracia de una peluca se convierte en Trip, protagonista de uno (uno solo, hay muchos más) de los momentos que cruzan la barrera del esperpento en la película: esa especie de videoclip a mayor gloria del objeto de deseo del barrio. Ignoro si el objetivo de Coppola es que moje la ropa interior, pero como no soy mujer y todavía controlo esfínteres, me contenté con no mojar la exterior procurando no vomitar. El ligón de turno, a quien no se le resiste nada con curvas se queda prendado de la más ardiente de las Lisbon, y no parará hasta llevársela no al huerto, sino al campo de fútbol, y abandonarla cual kleenex. Pero no os preocupéis, tendrá su justo castigo por tratar así a las mujeres y acabará expiando sus culpas en un centro de rehabilitación (¿de qué?, no se explica, aunque algo me huelo que de la ropa hortera), porque así no se puede tratar a unas chicas tan dulces, mágicas, castas, adorables e incomprendidas. En resumen, tan vírgenes suicidas.

¿En serio? Está claro que no. Porque ese es el primer gran problema del conjunto: en esa casa las únicas vírgenes son las que cuelgan de las paredes. Desde el guiño que nos dedica la silueta de Kirsten Dunst en esos créditos de inicio poperos sacados de la MTV más teen, sabemos que estas chicas de vírgenes tienen bastante poco. Las Lisbon no son esas criaturas capaces de enamorar a los adolescentes más soñadores, esos ángeles por los que suspiraremos cuando acabe la película, que nos harán recordar aquellos amores idealizados de colegio, sino un grupo de féminas dispuestas a lanzarse sobre cualquier cosa que tenga pantalones y obtenga el visto bueno de unos (como ya he dicho) no tan duros y religiosos padres, para, pocas escenas más adelante, a través de los recuerdo de un diario, protagonizar un perfecto anuncio de compresas al más puro estilo a qué huelen las nubes y mantenerse en esa indefinición el resto del filme. Aunque más que las hermanas, debería decir Lux Lisbon y hermanas, porque salvo el personaje interpretado por Kirsten Dunst el resto de las chicas se nos presentan como un conjunto, cuatro fantasmas del que apenas nos interesa el nombre, una de ellas suicida por vocación, ya que los motivos que le llevan a ello, y que sí podrían interesarnos, ni se explican ni aparecen por ninguna parte. Sólo un momento se puede conceder, y es, cómo no, para la reina de las suicidas: el momento en el que Lux, tras ser abandonada en el campo de fútbol, regresa a casa desencantada de su vida díscola… lástima que la lección se esfume como por arte de magia y el momento se quede en otro adolescente-incomprendida-quésolaestoynadiemeentiende.

Una dirección correcta, momentos videocliperos y una historia que se pierde según llega a un final plagado de las mismas inconsistencias que el resto (¿por qué hablan a través de discos, por qué no por el teléfono directamente? ¿No se suponía que habían quemado todos los discos de música “malvada”? ¿Y a qué viene que en ese momento se suiciden todas? Dejo todas las explicaciones y los chistes a disposición) se unen a unos personajes vacíos, que nunca parecen estar donde deberían y con los que no podemos llegar a identificarnos, para formar unos de los noventa y seis minutos más sobrevalorados del cine contemporáneo. Un buen material desaprovechado, una historia potente, con ingredientes suficientes para formar por sí sola una gran historia sobre adolescencia, amor, deseo, represión, y quién sabe qué más arrojada directamente a ese limbo donde van las buenas películas que nunca verán la luz, porque alguien se empeñó en filmar la adolescencia sin haberla superado mentalmente, mezclando a un tiempo anuncios de evax, vídeos musicales y las reflexiones de madrugada de unas chicas que un día sin querer rozaron un libro de Salinger al ir a coger su barra de labios más chic.  A mí no me vuelven a engañar.

Johnny Depp vuelve a interpretar a un personaje parido por el escritor y novelista Hunter S. Thompson. Lo que en ‘Miedo y asco en Las Vegas’ se trataba de un viaje lisérgico en toda regla, aquí se transforma en un baño etílico con el Caribe como excusa. Paul Kemp, álter ego del autor, es un escritor frustrado que recala en un decadente periódico de San Juan, Puerto Rico, donde lidiará con un caricaturizado director (Richard Jenkins) de la mano de un no menos errático fotógrafo y un chiflado borracho, otrora periodista, al que da vida Giovanni Ribisi.

Pero Johnny Depp hará su vida fuera de la redacción, en un difícil equilibrio entre el Puerto Rico más pobre y decrépito y el sueño americano que lucha por realizarse en sus paradisíacas costas. El lujo tendrá nombre: Aaron Eckhart, otro actor de altura para un reparto muy interesante. Y a su lado, cual sirena o femme fatale, según, una preciosa Amber Heard, que aporta las curvas a la borrachera del protagonista.

Bruce Robinson regresa con ‘Los diarios del ron’ a la dirección, casi veinte años después de su última película, la discreta ‘Jennifer 8′, sustituyendo al puertorriqueño Benicio del Toro que fue el primero el postularse para adaptar el texto de Hunter S. Thompson. La película no pasará la historia, a pesar de que la crítica le ha concedido una tregua tras sus primeros pases festivaleros en que fue demonizada, aunque no admite discusión en cuanto a su cuidada ambientación. Más allá de eso, alguna escena destacable y poco más.

Trailer de ‘Los diarios del ron’

De esta película se puede hablar largo y tendido. Hay cientos de detalles en los que pararse. ‘La Duda’ es todo un misterio, un problema enredado de miradas confesoras y otras recelosas. A partir de ahí surge la duda. John Patrick Shanley, ganador del premio Pulizter por la obra de teatro en que se basa la película, busca con su trabajo de dirección contenido y cuidadoso ir construyendo un andamiaje que nos eleva tan alto que seremos incapaces de reconocer la verdad.

‘La Duda’ no es una tela de araña. No es ese tipo de película. Más bien es como el cuento del guisante debajo del colchón: la verdad queda amortiguada por el grueso (y hermoso) tapiz de impresiones, sentimientos y signos que, a fuerza de querer ver, tal vez sean falsos.

Merece la pena reseñar esta película. Tal vez se pueda decir que su director no es el más talentoso del gremio y que otro más artista hubiera logrado sacarle más jugo. Lo que es innegable es el maravilloso trabajo actoral. Repasemos brevemente –y que sirva de sinopsis- las habilidosas intrepretaciones.

El padre Flynn es encarnado por Philip Seymour Hoffman. Este sacerdote afable, amigo de los muchachos del colegio, será el punto de mira de las acusaciones. Abusos. Hoffman permanece magistralmente oculto en la más absoluta incertidumbre. ¿Es culpable o inocente? ¿Quién sabe descifrar su rostro y sus actos?

Al cargo de la institución educativa está la hermana Beauvier: Meryl Streep. Soberbia, of course. Su mirada desconfiada sabe culpable al padre. ¿Pero le acusa con razón? ¿No estará buscando algún tipo de venganza personal? Quizás sea culpable a pesar de todo.

El tercer eslabón de esta fuerte cadena de actores es la deliciosa Amy Adams, que interpreta a la hermana James, una joven maestra que, preocupada por la actitud de uno de los chicos, acude a la directora con una sospecha. Su corazón es bondadoso, su mirada limpia. ¿Ingenua, quizás? ¿Cobarde, por no querer ver lo obvio?

‘La Duda’ es una película sólida, de construcción sencilla pero cargada de elementos de juicio y búsqueda. Interesantísima propuesta sobre la justicia humana, las dudas de fe, la debilidad. Merece la pena.

Cuatro nombres que responden a tres personalidades que recaen sobre una única figura, la de Elizabeth Olsen, firme promesa con mucho recorrido que se echa a las espaldas un papel complejo y duro en la aproximación de Sean Durkin a los devastadores efectos de las sectas, tema que amenaza con ponerse de moda en nuestras pantallas pues Paul Thomas Anderson ultima ‘The Master’, inspirada en la cienciología.

Algo más de un año hemos tenido que esperar para que este largometraje que causó sensación en Sundance llegara a España, apenas unas semanas después de que lo hiciera otra joyita triunfadora en el festival mormón, ‘Take Shelter’. El retrato de la secta, su vida paralela al margen de la sociedad, sus instintos delictivos, sus viciadas costumbres y sus terribles consecuencias están presentes en el filme, así como una convincente explicación de cómo alguien puede caer en sus redes. Pero para ello se necesita un líder.

Ese es John Hawkes, a quien pusimos cara en otra obra maestra surgida de Sundance, ‘Winter’s Bone’, y que acaba de rechazar un papel en ‘The Walking Dead’ por motivos ideológicos. Gran actor que navegando por el panorama indie ha logrado el reconocimiento del cinéfilo. Aquí su presencia se siente, incluso cuando no está. Es un líder perfecto. Cándido, manipulador, condescendiente e implacable. Redondea una película sólida y profunda pero algo confusa con los saltos temporales que depara un final de esos de odiar o amar, punto flaco de un gran trabajo.

Trailer de ‘Martha Marcy May Marlene’

]]> http://www.vivirelcine.com/estrenos/estrenos-martha-marcy-may-marlene-de-sean-durkin-1606.htm/feed 0 http://www.vivirelcine.com/peliculas/cine-estadounidense/programa-doble-pozos-petroliferos-1597.htm http://www.vivirelcine.com/peliculas/cine-estadounidense/programa-doble-pozos-petroliferos-1597.htm#comments Sun, 15 Apr 2012 17:01:05 +0000 Ramón Lozano http://www.vivirelcine.com/?p=1597
Algunos clásicos como ‘Gigante’ y la serie ‘Dallas’ ya abordaron el tema del crudo, que es universal, así que nos embarcamos en este viaje que nos lleva de la península arábiga a California. ‘Oro negro’ y ‘Pozos de ambición’ comparten materias primas (petróleo, ambición y rencor) pero se distinguen en lo fundamental, en su ejecución; discreta la francesa, un must-see la americana.

ORO NEGRO (Jean-Jacques Annaud, 2011)

Un sultán y un emir, en las primeras décadas del siglo XX, enfrentados por un trozo de tierra minado de petróleo al que denominan el Cinturón Dorado y un hijo ofrecido como garantía de paz son los ingredientes principales de este filme francés que bebe de los clásicos -su banda sonora evoca a ‘Lawrence de Arabia’- pero que debe lidiar con numerosos lastres como el arbitrario empleo de “Alá” y “Dios” o el aspecto paródico que adopta por momentos, sobre todo en la sobreactuación de Antonio Banderas, bastante flojo si lo comparamos con Mark Strong, inesperado árabe -no tanto si recordamos su papelón secundario en ‘Red de mentiras’- que siempre cumple. Además, Tahar Rahim, descubierto a lo grande con ‘Un profeta’, apunta que aquello no fue casualidad. Por contra, muy desaprovechada la hindú Freida Pinto. No hay que olvidar que tras las cámaras se encuentra Jean-Jacques Annaud, que firmó un par de acertadas obras (‘El nombre de la rosa’ y ‘Enemigo a las puertas’) y de ello vive. No es buena y apenas entretiene.

POZOS DE AMBICIÓN (There Will Be Blood) (Paul Thomas Anderson, 2007)

La primera y sustancial diferencia la encontramos en la dirección. Paul Thomas Anderson regresó con esta película por la puerta grande tras haber firmado las esenciales ‘Boogie Nights’ y, sobre todo, ‘Magnolia’. Y es que ‘There will be blood’ -me niego a emplear la sacrílega traducción- es un gran largometraje de un excelente director.

La historia no es novedosa, aunque sí su crudeza. Daniel Day-Lewis se convierte en un ser despiadado, mucho más que en ‘Gangs of New York’, cegado por la ambición y el poder, rabioso por expandir su empresa y llegar al mar. Sin escrúpulos, con una difícil relación con su hijo y aún más complicada e irritante con el predicador local, un sorprendente Paul Dano. Y rematando el conjunto, la música de Jonny Greenwood, de Radiohead, que brilla en una escena marca de la casa, el plano secuencia que se convertirá en punto de inflexión entre el padre y el hijo. No es perfecta pero sí es cine con mayúsculas.