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’12 años de esclavitud’, de Steve McQueen

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2013 es un año que se abrió con una libre interpretación de la esclavitud y el western por parte de Tarantino, con un marcado cariz lúdico, y que se cierra con otra propuesta de denuncia de esa triste realidad que subyugó a unos seres humanos por el simple color de su piel. Steve McQueen, en las antípodas físicas del homólogo y carismático actor de los sesenta, sabe de lo que habla y lo hace sin rodeos, sin florituras y sin caer en el melodrama. ’12 años de esclavitud’ es el broche de oro, la obra de referencia, que la esclavitud estaba esperando desde que Spielberg lo intentara con más pena que gloria.

Para muchos, Steve McQueen es una cara nueva. Una que, sin duda, hay que seguir muy de cerca. Pero el cineasta inglés atesora dos pequeñas joyas cinematográficas en su haber: la contundente ‘Hunger’ y la sutil y provocadora ‘Shame‘ Ambas protagonizadas con maestría por Michael Fassbender, quien repite en esta película, aunque como secundario de lujo y con un carro de nominaciones llamando a su puerta, en el papel del malvado esclavista Edwin Epps. Tan sobresaliente como Chiwetel Ejiofor, que encarna a ese ciudadano libre, violinista de prestigio, que fue secuestrado y vendido como esclavo para las plantaciones del sur. Por cierto, historia real relatada por la pluma del propio Solomon Northup.

Crítica: ‘El consejero’, de Ridley Scott

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La última obra de Ridley Scott llega a España precedida de una oleada de pésimas críticas aunque, en descargo del cineasta, el vapuleo merece recibirlo de lleno el guionista neófito pero con Pulitzer bajo el brazo, Cormac McCarthy. Y algo de razón llevan. El discurso metafísico y profundo que plantea ‘El consejero‘ choca frontalmente con unos personajes que parecen más centrados en disfrutar de sus lujos y caprichos o bien de dictar justicia de la forma más primitiva posible que de disquisiciones de tan alto nivel.

Sus líneas grandilocuentes y los desconcertantes primeros compases son responsables de que gran parte del público -y de la crítica- se quede por el camino y no acepten el juego clásico que Ridley Scott ofrece a medida que se vuelve más terrenal, más apegado a la acción y a la trama. Porque lo de escuchar filosofía donde uno espera encontrarse de lleno con el submundo criminal del narcotráfico, cuanto menos, chirría.

Crítica: ‘Blue Jasmine’, de Woody Allen

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El regreso a su casa, a Estados Unidos, le ha sentado de maravilla a Woody Allen. Sobre todo si tenemos en cuenta que venía de firmar lo peor de su carrera en Roma. Aquí también estrena ciudad, otra más en su deriva turista que ha arrojado obras importantes (‘Match Point’ y ‘Midnight in Paris’) salpicadas de otras olvidables como la antes mencionada. Le toca el turno a San Francisco, con un poco de la Gran Manzana para contarnos la vida de Jasmine.

Jasmine o Janette, según acudamos o no al pasado que Cate Blanchett trata de enterrar en su etapa neoyorquina, donde campa a sus anchas cuando el dinero y los lujos fluyen, pero que en San Francisco, donde está la familia, es decir, su hermana Sally Hawkins y el novio de esta, Bobby Cannavale, siempre impecable en roles macarras, es mucho más difícil de ocultar, ni siquiera tras la botella de vodka que empina a todas horas. No será porque no lo intente la actriz australiana, brillante como acostumbra, en un papel hecho para ella, olfateando ya el premio gordo, el Oscar.

Crítica: ‘La huida’, de Stefan Ruzowitzky

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Thriller con un persistente tono irreal. Desde hace poco, con la excepción de ‘Fargo’, parece que todo thriller con asesinos implacables que se precie debe tener el idílico fondo que otorgan los paisajes nevados como en el caso de ‘El americano’ y ‘Hanna’, con la diferencia de que lo que en estas lucía, en ‘La huida’ no aumenta la calidad de la cinta. Y como las comparaciones son odiosas, nada que ver el refinado thriller de Joe Wright con este fallido intento en el que también Eric Bana cobra protagonismo.

Parece mentira que Stefan Ruzowitzky sea el mismo director que se llevó un Oscar a la mejor película en habla no inglesa por ‘Los falsificadores’, aunque es preciso recordar que su anterior trabajo llevaba por nombre ‘Kika Superbruja’. Esta, su primera producción americana, es una decepción, cerca de ‘All the Queen’s Men’, en la que contó con el televisivo Matt LeBlanc hace una década. El salto del charco parece haberle sentado tan mal como a Florian Henckel von Donnersmarck.

Crítica: ‘Malavita’, de Luc Besson

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Robert de Niro y la mafia se deben mucho el uno al otro, siempre en un sentido muy figurado. El actor hizo carrera con papeles en ‘El padrino 2’, ‘Los intocables de Elliot Ness’ o ‘Uno de los nuestros’, y la mafia adquirió un estatus elegante del que siempre ha carecido, por mucho que John Gotti tratara de poner remedio a eso. Sin embargo, en ‘Malavita‘ asistimos a un decadente epílogo a esa comunión artístico-mafiosa tan celebrada en otros tiempos.

Robert de Niro se ríe de sí mismo -con escena autorreferencial incluida- en una parodia que ni siquiera llega al nivel de ‘Una terapia peligrosa’, y secuela, y va a la deriva desde el mismo inicio; y eso que partía de una idea interesante: la vida de un inadaptado mafioso en el programa de protección de testigos en una comunidad con la que no comparte ni el idioma. Lo que podía haber sido una suerte de versión mafiosa de ‘Bienvenidos al Norte’ se queda en un pasatiempo de acción por momentos muy indigesto.

Crítica: ‘La cabaña en el bosque’, de Drew Goddard

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El nombre del director, novato, no dice gran cosa, pero como guionista sí ha sabido labrarse un nombre en series como ‘Perdidos’, ‘Alias’, ‘Ángel’ o ‘Buffy, cazavampiros’. Sin embargo, su debut en la dirección se echa a perder por culpa del texto, cuando este parece estallar y deja de existir momentáneamente para más tarde sacarse un supuesto as de la manga que da al traste con un planteamiento inicial que introducía cierta novedad en el horror sci-fi con una nueva vuelta de tuerca a la telerrealidad.

Drew Goddard, antes guionista de la “catastrófica” ‘Monstruoso’, juega con el tópico que da título a la película. El cine de terror es así, con una premisas muy claras contra las que conviene no ir de frente, de forma que el producto se venda solo y capte al público adolescente y postadolescente al que está destinado. ¿Qué es si no encerrar a un grupo de cinco universitarios en una cabaña entre pinos en medio de no se sabe dónde, con un fumeta de libro entre ellos?

Crítica: ‘La vida de Adèle’, de Abdellatif Kechiche

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La película romántica de este 2013. Y, por descontado, por ser un tema aún poco explotado, la más grande historia de amor lésbico de la historia. Grande, por su resultado artístico, y grande, por su metraje. Aunque tampoco narra algo que no se haya contado antes; la diferencia estriba en cómo lo muestra Abdellatif Kechiche: amor (y sexo) desnudo, que transpira realismo. Tanto que el público tiende a ponerse nervioso cuando las escenas de cama se prolongan más de lo que se acostumbra en el cine comercial. Sería triste que, dentro de unos años, esas escenas fueran lo más recordado de una obra sutil y muy humana.

Su triunfo en Cannes fue incontestable. Palma de Oro y un premio compartido para las dos protagonistas de esta historia, Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos, espléndidas en sus papeles con los sentimientos a flor de piel, donde las miradas se imponen a diálogos que sirven de excusa hasta que la acción se desencadena. Mucho se ha hablado de Léa Seydoux, nueva estrella del cine francés, y su pelo azul en ‘La vida de Adèle’, pero el descubrimiento tiene nombre propio: Adèle Exarchopoulos. 

Crítica: ‘Solo Dios perdona’, de Nicolas Winding Refn

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El cineasta danés Nicolas W. Refn siempre se ha caracterizado por realizar apuestas visuales un tanto arriesgadas. Desde sus inicios con ‘Pusher’, jamás se ha resignado a que su trabajo pasara desapercibido y quedara sepultado por la trama. Aquí, más de lo mismo y de manera más evidente. ‘Solo Dios perdona’ es un producto típicamente suyo, pura consecuencia del éxito cosechado con ‘Drive‘.

Violencia al estilo del cine oriental, una katana y thai boxing es de lo poco que uno saca en claro de un filme vacío, sin sentido, inverosímil, solo preocupado por su refinado aspecto visual en detrimento de una buena historia o, simplemente, una historia. Porque no nos engañemos, en ‘Solo Dios perdona’ el guion brilla por su ausencia y todo queda supeditado a las artes de su director.

Crítica: ‘Prisioneros’, de Denis Villeneuve

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‘Prisioneros’, en su descenso a los infiernos del ser humano, es el thriller más potente en lo que va de año. Quizás algún día sea considerado como un clásico del género. Materia prima no le falta. Buena en todo: dirección, guion, apartado técnico y reparto de aúpa. Y, por si fuera poco, bebe de la influencia de algunos de los cineastas que mejor se han movido en el thriller como David Fincher (inevitable la comparación con ‘Zodiac’) y Sidney Lumet.

Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal mantienen un tenso duelo en el que, en teoría, ambos están en el mismo lado, el que busca dar con el paradero de las hijas de Jackman y Maria Bello y Terrence Howard y Viola Davis. Gyllenhaal es el policía al frente del caso y deberá lidiar con el trabajo policial, los padres de las niñas y un sospechoso con importantes carencias intelectuales (Paul Dano). Todo ello, en casi dos horas y media que te mantienen pegado a la butaca.